El Coloso de Rodas era una estatua gigante que representaba a Helio (dios del sol en el puerto). Helio era el protector de la ciudad. Una de las siete maravillas del mundo antiguo
El coloso de rodas (Todo Argentina)
Pricasso. Foto: Reuters
En el mes de febrero, un artista australiano ha dado la nota principal a nivel mundial al mostrar su obra, la cual la realiza ¡con su pene!. Sí, así es. El artista australiano llamado Tim Patch, se hace llamar Pricasso y emplea su pene como pincel para realizar sus obras.
Según palabras del propio artista, “tuve que usar el trasero para pintar el fondo, porque a veces tienes que darte un descanso“. Esto demuestra el extremo al que llega el autor sin emplear jamás un pincel, sino que todo su cuerpo es utilizado para realizar su trabajo.
El surrealismo es un movimiento artístico y filosófico que ganó popularidad en la década de 1920. Inicialmente, el surrealismo fue una vertiente del Dadaísmo, que postuló que el arte tradicional debía ser reemplazado por cualquier “anti arte” y el triunfo de lo ridículo y lo absurdo. Andre Breton fue el autor inicial del surrealismo en literatura y en las artes visuales. Mucho de su énfasis fue puesto en el acceso al inconciente, visto por un Sigmund Freíd. El surrealismo fue una reacción a la filosofía racional, la cual muchos piensan causó, a lo largo de la Revolución Industrial, el desastre de la Primera Guerra Mundial.
El surrealismo, según lo previsto por Breton, desecharía la producción conciente del arte y en su lugar, se apoyaría en la inspiración inconciente de arte. Breton y otros filósofos y artistas surrealistas creían que el arte era un medio de acceso al inconciente más “real” o “verdadero”. El dibujo y la escritura automática, en el cual los artistas sostenían el lápiz e intentaban aclarar sus pensamientos concientes, que permitían que el lápiz simplemente fluya, eran considerados la manera más cercana de llegar al inconciente.
La teoría Jung decía que todas las personas poseen un conocimiento innato e inteligible de las imágenes. Dichas imágenes eran universales por naturaleza y se encontraban en la mayoría de la literatura y del arte. Mirando en la imagen, el surrealismo esperaba ganar acceso y entender los pensamientos y comportamientos inconcientes. El escritor y profesor Joseph Campbell realizó un trabajo significante en relación con este tema, explorando las concordancias entre diferentes estructuras míticas y recurriendo a símbolos de las mitologías.
Picasso fue un practicante de una de las formas del surrealismo: el Automatismo. Su trabajo deja de lado las formas tradicionales de arte y resulta en una forma más primaria. Muchas de sus obras están basadas en su concepto de que la ingenuidad de los niños puede proveer acceso esencial al inconciente.
Muchos escritores que practicaron el surrealismo eran franceses y principalmente escribieron poesía. Sin embargo, “la corriente del inconciente” en el estilo de escritura, en trabajos como Mrs. Dalloway por Virginia Wolf y Ulises por James Joyce, son surrealistas en su naturaleza, a pesar de que ninguno era específicamente surrealista. El poeta W.B. Yeats también utilizó la escritura automática para tener acceso al inconciente.
A pesar de que el surrealismo fue perdiendo interés y fue reemplazado por la filosofía artística moderna, uno no tiene que ver muy atrás para encontrar ejemplos de surrealismo en el arte moderno. La película “Howl´s Moving Castle” (2005) de Miyazaki, sitúa ridículas y anacrónicas imágenes delante de los dibujos realistas de comienzos del siglo XIX en ciudades inglesas. Muchos niños en la primaria, aprenden autorretratos apoyándose en retratos de Picasso. En literatura, el realismo mágico en trabajos por autores como Gabriel García Márquez y Salman Rushdie contiene elementos surrealistas.
Una ópera es un trabajo dramático el cual combina elementos de teatro, danza y música. Casi todos los diálogos son cantados, o por lo menos tienen un tono peculiar. Los compositores de ópera generalmente comienzan con un guión escrito del “libretto” o “pequeño libro”. El libretto de una ópera puede ser una historia completamente original o una adaptación de una pieza literaria existente.
El compositor luego decide que melodías se prestan para un tratamiento musical y que melodías hacen mover la historia de manera temática. Si las melodías revelan las verdaderas emociones de un personaje, como el amor o el miedo, el compositor de la ópera puede crear una canción completa llamada “aria”. Un aria puede ser cantada por cualquiera de los personajes principales de la ópera, pero a menudo un aria funciona con aquellas personas que tienen una voz muy fuerte. Muchas arias compuestas para óperas se han vuelto en temas mundialmente conocidos.
Así mismo, un aria se encuentra presente en numerosos momentos, cuando los personajes están teniendo conversaciones entre ellos. Para aquellas escenas, el compositor de ópera puede utilizar una forma musical llamada “recitativa”. Un recitativa es una pieza de diálogo con música, a pesar de que ésta no se muy interesante para la audiencia. El ejecutante de un recitativa puede cantar sus líneas sin preocuparse mucho por la melodía. Algunos compositores de ópera moderna no usan recitativas; permiten a los actores decir sus líneas con normalidad. Sin embargo, en la ópera clásica, todos los diálogos tienen un aspecto musical.
Muchos historiadores musicales sugieren que la primera ópera ejecutada fue una pieza llamada Dafne, escrita por Jacopo Peri en 1598. En esa época no fue considerada un éxito comercial y raramente es ejecutada por las compañías modernas de ópera. El primer compositor de ópera cuyo trabajo aún es apreciado en el mundo de la ópera es el del músico italiano Claudio Monteverde. Monteverde es acreditado por ayudar a la transición de la teoría de la música del Renacimiento al Barroco.
La ópera ha sobrevivido como una forma musical primaria debido a que puede ser adaptada a cualquier forma musical popular del momento. A lo largo de los años, la ópera ha incorporado la música Folk, patriótica o nacionalista, jazz, blues y hasta rock.
Seguramente muchas veces en la escuela, universidad y en muchos otros lugares escuchaste sobre el estilo Bauhaus, pero ¿Sabes exactamente qué es? Aquí te explicamos…
El Bauhaus fue una escuela de diseño que surgió en Alemania en 1919. Aquellos que inventaron y siguieron el estilo Bauhaus se separaron de la tradición y desarrollaron un estilo muy moderno y vanguardista. ¿Cuál era su intención? Pues integrar el arte, la tecnología y la artesanía al hacer caso omiso de los precedentes y la generación de una nueva filosofía de diseño. Qué interesante!
La innovadora arquitectura de las ideas iban desde el diseño de muebles hasta la tipografía. Wow! ¿Sabías que…. seguidores del Bauhaus creen que el diseño de cualquier tipo debe cosa debe ser considerada un arte al igual que la pintura o la escultura?
Continuemos con la historia del Bauhaus. En 1932 la escuela se trasladó a Berlín, pero tuvo un percance: el régimen nazi. El partido nazi se había opuesto al estilo Bauhaus durante muchos años porque creía que estaba estrechamente relacionada con el comunismo, ya que muchos miembros de la escuela eran rusos.
Tal vez el más conocido de los desarrolladores de la escuela Bauhaus fue el talentoso Wassily Kandinsky, pero existieron otros muchos artistas destacables como Paul Klee, y Mies van der Rohe. Nombres menos conocidos pero quizás igualmente influyentes son: Lyonel Feininger, Walter Gropius y Marcel Breuer.
¿Sabías que….influencia de la escuela todavía sigue viva? Sí, puedes verlo en muchos edificios modernos, oficinas y piezas de muebles!
El Ballet que se representa hoy en día difiere tremendamente del de sus orígenes. Originalmente, el término ballet se aplicada a danzas renacentistas de la corte italiana. Sólo los hombres podían representarlo, ya que cualquier clase de danza de mujeres era vista como desagradable. Los hombres vestidos como mujeres hacían los papeles femeninos. A pesar de que el ballet es usualmente considerado francés, los primeros ballets se bailaron en Italia. Sin embargo, como el ballet fue progresando, los franceses se volvieron innovadores en el ballet moderno.
Las formas francesas de ballet introdujeron la danza tanto en hombres como en mujeres, aunque éstas eran todavía escasas. Muchos de los movimientos modernos derivan del ballet de la corte francesa, comisionado por Catherine de Medici en 1550. Debido a la vestimenta a la moda de las mujeres, los movimientos de los hombres eran más importantes que los de las mujeres. Los movimientos de los pies de las mujeres casi ni se veían debido a las faldas largas que usaban. Las faldas, las pelucas elaboradas y luego los corsets obstaculizaron la danza de las mujeres. Los zapatos con tacones usados tanto por hombres como por mujeres, restringieron los saltos, debido a que el aterrizaje no era seguro.
En los años 1600, se formaron compañías profesionales de danza. La Academia Real de Música Jean Baptiste Lully’s aún existe y la compañía todavía entrena a principiantes y profesionales. Las presentaciones en escenarios, alteran el ballet radicalmente. Anteriormente, las audiencias veían a los bailarines desde tres lugares. Hoy, la audiencia se sienta frente al escenario, lo cual ocasionó cambios en la coreografía, ya que los bailarines sólo son vistos desde un ángulo.
A finales de la década de 1600, las bailarinas mujeres se habían vuelto más aceptables. Habían dos rivales: Marie Ann Cupis de Carmago y Marie Salle, las cuales cambiaron el ballet para las mujeres. Salle subió sus faldas de manera que la gente podía ver el trabajo de sus pies. Carmago se concentró en saltos atléticos, los cuales se hacían fácilmente cuando se deshizo de los zapatos con tacón.
El ballet fue con frecuencia parte de una opera, cosa que no sucede en la actualidad. En el siglo XIX, las formas modernas emergieron en La Sylphide. El ballet romántico es el primero en el que se utilizaron los zapatos con punta cuadrada. Marie Taglioni fue la primera que utilizó los zapatos “en pointe”. Elevaciones y saltos son característicos del ballet romántico, al igual que los zapatos de punta cuadrada.
En el siglo XX, todos los países que practicaban ballet adoraban a Margot Fonteyn, quien bailó en “tutu”, un atuendo que se había desarrollado a finales del siglo XIX. Actualmente, los pasos de ballet tienen la misma dificultad tanto para hombres como para mujeres. En América, la compañía de danza formada por George Balanchine inspiró tremendamente al ballet. Los rusos influenciaron tremendamente en la danza con la compañía Ballet Russe.
Hoy en día, el ballet es visto de diferentes maneras. Algunos ven las coreografías del ballet moderno como si fueran musicales modernos, pero algunos prefieren el estilo tradicional de trabajo con los pies en ballets como “El lago de los Cisnes”.
El ballet interpreta música a lo largo de una serie de movimientos aceptados. Las formas más modernas pueden incorporar elementos de otras danzas, pero los tradicionalistas ven esto como una denigración de este arte. Bailar ballet es particularmente más difícil para la mujer. Las mujeres deben ser muy delgadas y tener la apariencia de niñas, lo cual provoca anorexia o bulimia entre muchas de las bailarinas. Esto llevó a muchas compañías a estableces guías de monitoreo de peso de las bailarinas y a tener mucho cuidado con los signos de desordenes alimenticios. Sin embargo, muchas de las bailarinas, tienen desordenes a pesar de los controles que se han establecido.
Kabuki es para los japoneses lo que el teatro shakesperiano es para los ingleses o la ópera tradicional para los italianos. Kabuki es una forma tradicional de teatro japonés, que combina elementos de la danza, música, pantomima y drama. Los ejecutantes usan trajes exagerados y se maquillan bastante para definir a los personajes, usando harina de arroz para crear un efecto de porcelana en la piel.
Alrededor de 1603, un joven llamado Okuni empezó a elaborar danzas fuera de Kyoto, la antigua ciudad capital de Japón. Estas presentaciones se hicieron muy conocidas por otros bailarines y músicos que formaron su propia compañía de kabuki.
Sin embargo, debido a que los ejecutantes bailaban para las clases más bajas, el teatro kabuki no era aceptado por la clase alta. Para empeorar las cosas, algunas de las mujeres ejecutantes, se hicieron populares por sus canciones obscenas y danzas eróticas. La prostitución se hizo una práctica común en los ejecutantes de kabuki. Todos estos comportamientos fuera de lugar, llevaron a que el gobierno prohíba a todas las mujeres a participar en las producciones futuras de kabuki.
La famosa pintura realizada por Leonardo Da Vinci que todo el mundo llama la Mona Lisa no es realmente su verdadero nombre. En realidad se titula La Gioconda.
La mujer en la pintura era la esposa de un hombre llamado Francesco del Gioconda, y por ello la pintura se tituló como La Gioconda. Seguramente el nombre común y errado Mona Lisa deriva del nombre de esta mujer quien se llamaba Madonna Lisa.
Leonardo creó esta pintura durante muchos años, a partir de 1503, pero su fecha de finalización no la sabemos con exactitud pues lo historiadores no se ponen de acuerdo. Lo que sí sabemos es que durante esa época el realizaba otras obras paralelas en el campo de la pintura, la escultura y también invenciones científicas.
Su famosa y enigmática sonrisa. Los críticos de arte e historiadores aún debaten acerca de por qué ella sonríe y qué representa. Definitivamente cada persona que la ve en vivo y en directo saca sus propias conclusiones! Una última cosa: ¿Te has dado cuenta que la mujer de la pintura no tiene cejas? Fíjate bien. Según cuentan, en aquella época el patrón estético de belleza consideraba que había que afeitarse las cejas!
Uno de los artistas más importantes del Renacimiento Italiano fue Michelangelo Buonarroti (Florencia, Italia 1475-1564), quien revolucionó la técnica de la escultura y la pintura, aunque es bien sabido que las obras más representativas como El Juicio Final y la más famosa de todas, la Capilla Sixtina, las realizó por órdenes de la Iglesia, que en ese entonces era la que pagaba por sus servicios.
Protegido de Lorenzo de Médici, Michelangelo siempre afirmó que su pasión era esculpir en cantera y no el arte de la pintura. A pesar de ello, era un artista muy solicitado, pero también rebelde y debido a eso, se metía en serios problemas con los Papas y otros mandos religiosos.
OTRAS OBRAS
Miguel Ángel, como también es conocido, se consagró con La Pietá, hermosa escultura que aún se puede apreciar en la Basílica de San Pedro, y que impacta a todo el que la visita. Esto confirma que sus aptitudes con la cantera eran innatos, aún cuando tenía que lidiar con la corriente.
Este año se festeja el Centenario del Nacimiento de Frida Kahlo, una de las pintoras mexicanas más reconocidas en todo el mundo, por la forma peculiar de reflejar su realidad en la pintura, siendo así un estilo propio y único en las artistas contemporáneas.
Nacida el 6 de julio de 1907, Frida siempre estuvo en una situación difícil, pues a los 3 años de edad contrajo poliomelitis, que la marcaría de por vida, pues sus limitaciones físicas se plasmarían en las obras más representativas de esta autora a través de los años.
Más tarde, a los 18 años de edad, tuvo un accidente que la obligó a permanecer en cama durante varios meses, ya que sufrió fractura de columna, hombros, cuello y pelvis, sellando así lo que ella misma llamaría su desgracia. Aunque era una mujer con fuertes convicciones y políticamente activa, su debilidad corporal le acomplejaba, así que se refugió en la pintura y el dibujo, aprendiendo también técnicas de grabado y otras expresiones artísticas.
Frida Kahlo soportó más de 32 operaciones quirúrgicas a lo largo de su vida, además de usar corsés para sostener su fragil cuerpo. Una de las peores noticias para la pintora fue saber que no podría tener hijos, pues a pesar de que lo intentó en distintas ocasiones, nunca logró este cometido.
El 21 de agosto de 1929, Frida contrajo nupcias con el muralista mexicano Diego Rivera, acontecimiento que marcaría su vida para siempre. Ella se refería a su marido como si fuera un dios, incluso en su hogar en la colonia Coyoacán de la Ciudad de México, le rindió culto con un magnífico grabado en la cocina que dice: Frida y Diego. Fue el amor de su vida, y a pesar de que años después se separarían, ella nunca dejó de sentir el fuego intenso de la pasión por él.
Falleció en su hogar el 13 de julio de 1954 por complicaciones de sus múltiples enfermedades, aunque no se le realizó autopsia. Sus restos fueron velados en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México de forma controversial, debido a que su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista, para luego ser incinerada y trasladada a la Casa Azul, lugar que la vio nacer.
Las últimas palabras que Frida escribió en su diario son: “Espero que la marcha sea feliz y espero no volver”.
Todos los acontecimientos tristes o trágicos de su existencia, hablan por sí mismos en todas las obras de arte que dejó como legado de una gran mujer… que a cien años de su nacimiento, recibe homenajes por todo el orbe, pero principalmente en su país natal, México, donde se llevan a cabo exposiciones y obras alusivas al orgullo que representa para su pueblo. Sin duda, una artista que permanecerá vigente con el paso de los siglos.
Blog muy interesante de curiosidades de la salud, ciencia e historia |
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